Notes on the Tree in Contemporary Art


Published by Beck & Eggeling International Fine Art, Dusseldorf, Germany, on the occassion of the comprehensive exhibition 'Ein Baum Ist Ein Baum Ist Ein Baum' curated by CURATED BY DR PROF. HERWIG GURATZCH & KIRSTEN NORDAHL IN 2015


It is intrinsically paradoxical to publish a book dedicated to the tree. Between the covers of this book there is more tree than the tree works shown on its pages by a number of artists. In itself, this book is a piece of tree.


Nicole Bianchet uses wood as a substrate for a stylized representation of nature. She carves the motif roughly with a utility knife into the surface of a wood panel, and then completes the motif with strong colours. This results in nature images, in relief-like paintings (fig. p. 44-45).


The pine tree seems to listen, the fir tree to wait, and both without impatience: They give no thought to the little humans beneath them devoured by their impatience and their curiosity.
Friedrich Nietzsche1

Christian Weihrauch seems to observe, long enough to penetrate the apparently inessential things and to make them the sole subject in his filigree drawings. "Contemplation and knowledge of the object on the one hand, transformation and unification in the knowledge of the character of the drawing on the other distinguish these precise concoctions, Umstand in the tradition of such artists as Gerhard Altenbourg or Carlfriedrich Claus."2 (Fig. p. 14, 169) The three-dimensional objects to which René Wirths devotes his undivided attention are subjected to a similar metamorphosis, becoming two-dimensional images (fig. p. 175). The "reflection about the image as the medium of perception and understanding"3 is at the centre of both artists' work.


Death is a natural part of life. Dalai Lama4

The powerful images of a strange beauty by Richard Mosse tell of the daily life for people in the north-eastern region of the Congo, a place torn for decades by wars and civil wars. A cemetery-like refugee camp poses questions about the fate of the people who were still living there just yesterday: Were they killed? Did they flee? Did they return home? Joy and suffering, happiness and misery, life and death, and only a solitary tree screaming leaflessly at the sky. And yet life goes on at the periphery of the camp, where the leafy trees did not fall victim to the human drive to survive and become raw material. Mosse nestles documentary elements in a cloak of seduction. He blocks natural colours through the use of infrared films, a technique once used by the American army; he dips lush Congolese landscapes and military camouflage in an attractive pink so as to reveal to the viewer the merciless daily reality of a forgotten conflict in such a way that he cannot look away (fig. p. 130-133).


Katie Holten tries in her own way to make the hidden visible. The starting point for her art is drawing, the line that rises from the page and moves freely through space, casting shadows. Holten sharpens the viewer's senses, asking how we deal - or don't deal - with our own environment, be it urban landscape or nature. She draws our attention to that which is right here in our lives, that which we see every day without really perceiving it. She replicates tree roots from wires and papier maché and hangs them from the ceiling as if they were branches. She uproots the tree, dissolves the borders between below and above ground, between root and bough and points to the overlooked. The tree becomes a Siamese twin, an image and mirror image of itself (fig. p. 16, 78-79). In the title of her work, Scapelands, Sonia Mehra Chawla deliberately inverts the art-historical genre designation of the landscape. She dives into the landscape and observes it from the inside out. In the process, the human being and the human relationship to nature, which oscillates between connectedness and alienation, remains a focus in her examination. Of significance in her work are analogies between the external natural world and the inside of the human body, but also how people treat their environment. For years she has been travelling on a regular basis to various coastal regions of Asia in order to explore mangroves for her art. Mangrove forests form a natural, extremely resistant and adaptable membrane between land and sea, one that may be crucially important to life. Today they are one of the most endangered ecosystems on our planet. She uses the image-producing media of painting, graphic art, photography and film to make the viewer aware of "... the fragile balance between life and death".5 (fig. p. 58-59). What awaits us in a world where human beings and nature are increasingly alienated, a world of heedless and merciless exploitation of natural resources in which the environment is viewed as just an inconvenient thing? In an increasingly soulless urban wasteland of concrete, corrugated sheet metal, wire and conduits, in which nature remains only a maimed reminiscence at the wayside, the more or less creative person feels called to erect palms made of steel. Ursula Schulz-Dornburg's view into the present day, for which she often seeks places that were significant in human history, always invites us to come on a journey through the past and the future. From her own consciousness of human and social responsibility, she discusses in a subtle manner the causal connections between human action, environment and society. Her work refers to the past and points to the future at the same time (fig. p. 153-155).


It is the preciousness of the moment, in which timeless eternity is present. It is the preciousness of individual form, in which the infinite is revealed. Govinda6 Pascale Marthine Tayou thinks up a tree, the last one, a kind of Brancusi column (fig. p. 161). The repeating geometric elements consist of pots that are glued to one another, of transparent plastic, which the artist in this case filled with dry autumn leaves. What in the case of Brancusi's wooden sculptures can only be continued endlessly in the realm of the imagination, can in the case of Tayou - albeit not truly endlessly - be carried on in reality by the viewer. Tayou knows no limits, especially when it comes to dealing with unconventional materials. He is able as an artist of African descent to make a winking though not uncritical commentary on the Eurocentric conception of the visual arts. For him, the art nomad, the natural environment and human beings everywhere in this world ultimately resemble each other.7


Trees are the earth's endless effort to speak to the listening heaven. Rabindranath Tagore8

Leiko Ikemura paints trees as solitary beings that grow out of the earth to communicate with the sky. Human beings and nature enter a symbiosis in the drawings, paintings and sculptures by the Japanese-born artist. Like human beings, trees are a connecting element between Heaven and Earth. Ikemura shows us a world in which human beings are in harmony with nature: a world of peace, of inner calm (fig. p. 20, 80-83).


A tree is a piece of life. Kurt Tucholsky9

How and where would artists get their portrait taken by a fine art photographer, were they asked to stage the image together with the portraitist at a location of their choice? Minako Ishikawa climbed an old tree in Sotoyama and had herself photographed high above the ground with the sky in the background by Valentina Seidel (fig. p. 156). This artist seeks the collaboration of the people who are the object of her photographic, artistic interest. She is much more likely to stage her own photographic reality, to take a step back, than to seek closeness. Her work oscillates between research and documentation in a social context and artistic expression.


It was Desmond Lazaro's interest in family trees and in the history of his own family - some of whom emigrated from Burma via the Suez Canal to England between 1956 and 1962 - that caused him to explore the history of migration at large, the history of colonial rule and the ways in which the then "governing" peoples reinvented the geopolitical map of the world in order to secure their economic dominance. The lines running through the image - bark or age rings of a broken tree - are adapted from a satellite image of the Suez Canal and the water in an 18th-century Manuka miniature painting (fig. p. 109). Water and tree become unified as a metaphor for the dangers of a migration - an escape that leads across oceans - and as a symbol of the dream of a better life. The picture is part of a group of works that explores questions of identity. What constitutes identity and how is it preserved? Does this happen as imprinting and through family myths that are passed on? Through higher-level events and the course of history? "[...] Personal and collective histories collide, as they do on a daily basis; it seems the fundamental modern narrative."10 not by any stretch of the imaginat ion could I ... What kind of times are these, when Talking about trees is almost a crime Because it implies silence about so many horrors?

Bertolt Brecht11

The artistic production of Heribert C. Ottersbach at the end of the 1980s and 90s is also shaped by a reflection on history and cultural history from a perspective that includes the artist's own origins. In his drawing and collage entitled Ich kann beim besten Willen ... (Not by Any Stretch of the Imagination Could I ...) a highly weathered tree leans against a wall (fig. p. 23). A wall of silence? It forms a background in which we can just make out structuring lines as well as nested, seemingly sampled images, such as the 'long since' faded faces of the resistance fighters led by Herbert Baum ("Baum" in German means tree).


The British art historian Paul Moorhouse writes about the tree paintings and drawings by Tony Bevan (fig. p. 43): "Their organic, meandering patterns resemble patterns of growth in nature but also have a biological significance. While an obvious connection can be made with arterial structures in the body itself, a further link can be made to the neural network that comprises the human nervous system. Like trees, neurons take the form of extended, dendritic pathways and they facilitate connections between cells. Viewed in this way, Bevan's trees can be seen as metaphors for the brain. It is as if the heads depicted in his earlier works have been reduced to their irreducible essence, forming a complex pattern of neural growth."12

chooses a much more direct form of representation. The robe of the portraitee, which appears floral, is both riddled and held tight by the inner blood costume. The blood vessels grow, tree-like, up to the blood-washed sky (fig. p. 49).

While, with Bevan, the analogy between the complex inner structures of the human body and the bifurcations of a tree comes about only in the mind of the viewer, Alkis Boutlis


A light wind disturbs for a moment their sparkling and sombre immobility, and the trees tremble slightly, balancing the light on their crowns and stirring the shade at their feet. Marcel Proust13 Bare trees caught between fog and a full moon are as if in a state of suspension, mystical, like a sacred grove. Emma Stibbon paints landscapes on paper, frozen snapshots, charged with the energy of constant change (fig. p. 158-159).


Suburbia is where the developer bulldozes out the trees, then names the streets after them. Bill Vaughan14 Luckily, the developers in New York overlooked several trees. Mitch Epstein photographed them in black and white on his expeditions through the world metropolis (fig. p. 65). They serve him not as the backdrop for art; instead they are what the artist portrays. An old weeping beech tree in the Brooklyn Botanic Garden stands witness to the many people who, over generations, have sought in the shadow of its branches a little seclusion from the bustle of the city. Joachim Brohm by contrast is interested in urban spaces. He has a sharp eye for the overlooked states of transition in daily life. But the picture is what is most important to him when he chooses his motifs. His documents of the everyday are characterized by precise composition and reserved colour. For anyone but locals it is difficult to tell the season shown in the diptych Nagoya (fig. p. 52-53). The branches and foliage at least give no temporal clues. Only the chains of light that are used to decorate the trees according to the seasons might share this information. Above all "the lights that give the trees an artificial hybrid appearance" are of interest to the artist. "They are part of an urban anonymous decoration that no longer values the original character of the plants."


They [trees] are like lonely people. Not like hermits who have stolen away out of some weakness, but like great, solitary men, like Beethoven and Nietzsche. In their highest boughs the world rustles; their roots rest in infinity. They do not lose themselves there, but rather struggle with all the force of their lives for one thing only: to fulfil themselves according to the laws within them, to fully come into their own, to represent themselves. Nothing is holier, nothing is more exemplary than a beautiful, strong tree. Hermann Hesse16 In 2004 Ori Gersht portrayed the trees in the old olive groves of Galilee (fig. p. 70-71). Working in the full midday sun, he deliberately overexposed his photographs. This gave rise to eerie visions in sun-bleached photos that seem as old as the reverend and highly symbolic Methuselahs they depict. The brittle, gnarled trunks, deformed by wind and weather, have outlived innumerable people, years and conflicts.

Oh, God! Art is long, and our life is short. Goethe17

1 Friedrich Nietzsche, The Wanderer and His Shadow, no. 176.
2 Heribert C. Ottersbach, "fünf plus eins", in exh. booklet fünf plus eins,
galerie julia garnatz, Cologne, 2013 [n.p.].
3 Hans-Peter Wipplinger, "René Wirths bildästhetische Operationen als Vokabularien
des Wahrnehmens und Erkennens" in Aus der Welt, Kunsthalle
Krems, Krems, 2014.
4 Dalai Lama, "Vorwort S. H. Des XIV. Dalai Lama" in: Sogyal Rinpoche, Das
tibetische Buch vom Leben und vom Sterben, Otto Wilhelm Barth Verlag 1998, p. 7.
5 Sonia Mehra Chawla in conversation with Gigi Scaria, in Sonia Mehra
Chawla. Scapelands, Exhibit 320, New Delhi, 2015, p. 60.
6 Lama Anagarika Govinda, Creative Meditation and Multi-Dimensional
Consciousness, Theosophical Pub. House, 1976, p. 101.
7 Pascale Martine Tayou in a film by Åsa Maria Bengtsson, 2010, at http://www.konsthall.malmo.se/o.o.i.s/4612 (accessed on 1 Oct. 2015).
8 Rabindranath Tagore, Fireflies.
9 Kurt Tucholsky, in "Alte Bäume", article by Peter Panter in the Vossische Zeitung, 10 Dec. 1930, no. 288.
10 Desmond Lazaro, The 'In-Coming' Passengers: Part I, 20, in an email to the author, 9 Sept. 2015, 08:47 a.m.
11 Bertolt Brecht, An die Nachgeborenen.
12 Paul Moorhouse, "Tony Bevan: Trees and Archives", in exh. cat. Tony Bevan. Trees and Archives, Ben Brown Fine Arts, London, 2014, p. 8.
13 Marcel Proust, Pleasures and Days and "Memory", Regrets: Daydreams in the Colour of Time, XXIII Undergrowth.
14 Bill Vaughan, at https://en.wikipedia.org/wiki/William_E._Vaughan (accessed on 13 Oct. 2015).
15 Joachim Brohm in an email to the author, 6 Oct. 2015 12:54 p.m.
16 Hermann Hesse, "Wanderung" in Hermann Hesse, Bäume, Insel Verlag, Frankfurt/Main, 2012, p. 9.
17 Johann Wolfgang von Goethe, Faust - A Tragedy. (Wherever the source is in German, the quotation was translated by Kennedy-Unglaub Translations).


Notizen zum Baum in der zeitgenössischen Kunst


BAUMWERK Ein dem Baum gewidmetes Buch herauszugeben ist in sich ein Paradox. Im Umschlag dieses Buchs steckt mehr Baum als nur die auf seinen Seiten abgebildeten Baumwerke einiger Künstler. Das Buch an sich ist ein Stück Baum.


Nicole Bianchet benutzt Holz als Bildträger zur stilisierten Darstellung von Natur. Sie ritzt das Motiv grob mit einem Cutter in die Oberfläche der Holztafel, um dann das Motiv mit kräftigen Farben zu vervollständigen. Es entstehen Naturbilder in reliefartiger Malerei (Abb. S. 44–45).


Die Pinie scheint zu horchen, die Tanne zu warten: und beide ohne Ungeduld: – sie denken nicht an den kleinen Menschen unter sich, den seine Ungeduld und seine Neugierde auffressen. Friedrich Nietzsche1

Christian Weihrauch scheint zu beobachten, so lange bis er die vermeintlich unwesentlichen Dinge durchdringt und sie zum alleinigen Sujet seiner filigranen Zeichnungen macht. „Versenkung und Wissen um den Gegenstand einerseits, Transformation und Vereinheitlichung im Wissen um den Charakter der Zeichnung anderseits, zeichnen diese präzisen Elaborate aus, die in der Tradition eines Gerhard Altenbourg oder eines Carlfriedrich Claus stehen.“2 (Abb. S. 14, 169). Die dreidimensionalen Gegenstände, die René Wirths zum Objekt seiner ungeteilten Aufmerksamkeit macht, werden einer ähnlichen Metamorphose zum zweidimensionalen Bild unterworfen (Abb. S. 175). Die „Reflexion über das Bild als Medium der Wahrnehmung und Erkenntnis“3 steht im Zentrum des Schaffens beider Künstler.


Der Tod ist ein natürlicher Teil des Lebens. Dalai Lama4

Die gewaltigen Bilder von seltsamer Schönheit eines Richard Mosse erzählen vom Alltag der Menschen im Nordosten Kongos, einer seit Jahrzehnten von Kriegen und Bürgerkriegen heimgesuchten Region. Ein Friedhof-ähnliches Flüchtlingslager wirft Fragen nach dem Schicksal der Menschen auf, die noch gestern dort lebten: getötet, geflohen, heimgekehrt? Lebensfreude, Leid, Glück und Elend, Leben und Tod, nur ein einsamer Baum, der kahl zum Himmel schreit. Und doch geht das Leben am Rande des Lagers weiter, dort wo die belaubten Bäume dem Überlebensdrang der Menschen nicht als Rohmaterial zum Opfer fielen. Mosse bettet das Dokumentarische in einen Mantel der Verführung. Er verstellt natürliche Farben durch die Verwendung von Infrarot-Filmen, eine von der amerikanischen Armee früher verwendete Technik, taucht üppige kongolesische Landschaften und militärische Tarnkleidung in ein attraktives Pink, um dem Betrachter die Wirklichkeit und den schonungslosen Alltag eines vergessenen Konflikts auf eine Weise zu offenbaren, die ein Wegschauen nicht mehr zulässt (Abb. S. 130–133).


Katie Holten versucht auf ihre Art und Weise das Verborgene sichtbar zu machen. Ausgangspunkt ihrer Kunst ist die Zeichnung, die dem Blatt entsprungene Linie, die sich frei durch den Raum bewegt und Schatten wirft. Holten schärft die Sinne des Betrachters für den eigenen Umgang oder Nichtumgang mit seiner Umwelt – sei es die urbane Landschaft oder die Natur. Sie richtet unseren Blick auf das, was uns im Alltag unmittelbar umgibt, z.B. den Baum, den wir jeden Tag sehen, ohne ihn wirklich wahrzunehmen. Sie bildet Baumwurzeln aus Drähten und Papiermaché nach und hängt sie von der Decke, als seien sie Zweige. Sie entwurzelt den Baum, lässt die Grenzen zwischen unterirdisch und oberirdisch, zwischen Wurzel und Geäst zerfließen und weist auf das Unbeachtete hin. Der Baum wird zum siamesischen Zwilling, zum Bild und Spiegelbild seiner selbst (Abb. S. 16, 78–79).

Sonia Mehra Chawla invertiert im Titel ihrer Arbeit Scapelands ganz bewusst die kunsthistorische Genre-Bezeichnung Landschaft. Sie taucht in die Landschaft ein und betrachtet sie von Innen nach Außen. Dabei bleibt der Mensch und sein Verhältnis zur Natur, zwischen Verbundenheit und Entfremdung, immer im Fokus ihrer Betrachtung. Analogien zwischen der natürlichen Außenwelt und dem Inneren des menschlichen Körpers, aber auch der menschliche Umgang mit seiner Umwelt sind von Bedeutung für ihre Arbeit. Seit Jahren bereist sie regelmäßig verschiedene Küstenregionen Asiens, um die Mangroven künstlerisch zu erforschen. Diese bilden eine natürliche, extrem widerstands- und anpassungsfähige, unter Umständen lebensentscheidende Membran zwischen Land und Meer und sind heute eines der gefährdeten Ökosysteme unseres Planeten. Sie nutzt die Bild-produzierenden Medien – Malerei, Grafik, Fotografie und Film –, um dem Betrachter „das fragile Gleichgewicht zwischen Leben und Tod“5 zu vergegenwärtigen (Abb. S. 58–59).

Was erwartet uns in einer Welt fortschreitender Entfremdung von Mensch und Natur, einer Welt der acht- und schonungslosen Ausbeutung von natürlichen Ressourcen, in der die Umwelt zur lästigen Nebensache wird? In einer zunehmend seelenlosen urbanen Wüste aus Beton, Wellblech, Drähten und Leitungen, in der Natur nur noch eine verkrüppelte Reminiszenz am Wegrand ist, fühlt sich der mehr oder minder kreative Mensch dazu aufgerufen, Palmen aus Stahl zu errichten. Ursula Schulz-Dornburgs Blick auf die Gegenwart, für den sie Orte aufsucht, die oftmals für die Geschichte der Menschheit von Bedeutung waren, lädt den Betrachter immer auf eine Reise durch Vergangenheit und Zukunft ein. Vom eigenen Verantwortungsbewusstsein für Mensch und Gesellschaft getrieben, thematisiert sie auf subtile Weise die kausalen Zusammenhänge zwischen menschlichem Handeln, Umwelt und Gesellschaft. Ihre Arbeit ist vergangenheitsbezogen und zukunftsweisend zugleich (Abb. S. 153–155).


Es ist die Kostbarkeit des Augenblicks, in der die zeitlose Ewigkeit gegenwärtig ist. Es ist die Kostbarkeit der individuellen Form, in der das Unendliche sich offenbart. Govinda6 Pascale Marthine Tayou entwirft einen Baum, den letzten, eine Art unendliche Säule à la Brancusi (Abb. S. 161). Die sich wiederholenden geometrischen Elemente bestehen aus aneinander geklebten Töpfen aus durchsichtigem Plastik, die der Künstler in diesem Fall mit getrocknetem Herbstlaub füllt. Was bei Brancusis Holzskulpturen nur im Bereich des Imaginären endlos fortgeführt werden konnte, kann bei Tayou, wenn auch nicht wirklich endlos, vom Betrachter zumindest real weitergeführt werden. Tayou kennt keine Grenzen vor allem im Umgang mit unkonventionellen Materialien. So gelingt ihm als Künstler afrikanischer Herkunft ein augenzwinkernder und doch nicht unkritischer Kommentar zur eurozentrischen Auffassung von Bildender Kunst. Für ihn, den Kunstnomaden, sind sich natürliche Umgebung und Mensch überall auf dieser Welt letztendlich ähnlich.7


Bäume sind der Erde endloses Bemühen, mit dem lauschenden Himmel zu sprechen. Rabindranath Tagore8 Leiko Ikemura malt Bäume wie einsame Wesen, die aus der Erde wachsen, um mit dem Himmel zu kommunizieren. Mensch und Natur gehen in den Zeichnungen, Gemälden und Skulpturen der gebürtigen Japanerin eine Symbiose ein. Bäume sind wie Menschen ein verbindendes Element zwischen Himmel und Erde. Ikemura zeigt uns eine Welt, in der Mensch und Natur im Einklang sind, eine Welt des Friedens, der inneren Ruhe (Abb. S. 20, 80–83).


Ein alter Baum ist ein Stück Leben. Kurt Tucholsky9 Wie und wo lassen sich Künstler von einer Fotokünstlerin porträtieren, wenn sie dazu aufgefordert werden, sich an einem Ort ihrer Wahl im Austausch mit der Porträtierenden selbst zu inszenieren? Minako Ishikawa kletterte auf einen alten Baum in Sotoyama und ließ sich, hoch über der Erde mit dem Himmel im Hintergrund von Valentina Seidel fotografieren (Abb. S. 156). Diese sucht in ihren Arbeiten die Kooperation mit Menschen, die das Objekt ihres fotografischen, künstlerischen Interesses sind. Sie schafft eine eigene fotografische Realität, die inszeniert ist, eine Distanznahme, viel eher als eine Suche nach Nähe. Ihr Werk oszilliert zwischen Recherche und Dokumentation im sozialen Kontext und künstlerischer Behauptung.


Stammbaum und Geschichte der eigenen Familie, deren einzelne Mitglieder von 1956 bis 1962 von Burma über den Suezkanal nach England emigrierten, sind für Desmond Lazaro Anlass zur Auseinandersetzung mit der universellen Migrationsgeschichte, mit der Geschichte von Kolonialherrschaft und wie die damals ‚herrschenden’ Völker zur Absicherung ihrer wirtschaftlichen Vorherrschaft die geopolitische Weltkarte neu erfanden. Die durch das Bild laufenden Linien, Rinden oder Altersringe eines gebrochenen Baums sind einem Satellitenbild des Suezkanals und dem Wasser aus einem Manuka Miniaturgemälde des 18. Jahrhunderts nachempfunden (Abb. S. 109). Hier werden Wasser und Baum zu einer Metapher für Gefahren einer Migration, einer Flucht durch Überquerung der Weltmeere und zum Symbol für den Traum eines besseren 22 Lebens vereint. Das Bild ist Teil einer Werkgruppe, die Fragen zur Identität erforscht. Wie kommt Identität zustande, und wie wird sie aufrechterhalten? Durch Prägung und weitergereichte Familienmythen? Durch übergeordnete Ereignisse und den Lauf der Geschichte? „[...] Persönliche und kollektive Geschichten kollidieren miteinander, wie sie es täglich tun; eine grundlegend zeitgemäße Narrative, wie es scheint.“10


Was sind das für Zeiten, wo Ein Gespräch über Bäume fast ein Verbrechen ist Weil es ein Schweigen über so viele Untaten einschließt! Bertolt Brecht11 Reflexion über Geschichte und Kulturgeschichte aus der Perspektive auch eigener Herkunft prägt ebenfalls das künstlerische Schaffen von Heribert C. Ottersbach Ende der 1980er und 90er Jahre. In seiner Zeichnung und Collage Ich kann beim besten Willen ... lehnt sich ein stark verwitterter Baum gegen eine Mauer (Abb. S. 23). Des Schweigens? Auf diesem Hintergrund lassen sich strukturierende Linien und verschachtelte, scheinbar gesamplete Bilder erahnen, wie z.B. die ‚längst‘ verblichenen Gesichter der Widerstandskämpfer um Herbert Baum.


Der englische Kunsthistoriker Paul Moorhouse schreibt zu den Gemälden und Zeichnungen von Bäumen eines Tony Bevan (Abb. S. 43): „Ihre organisch mäandernden Formen ähneln den Wachstumsmustern der Natur. Während ein Zusammenhang mit dem Verlauf der Blutgefäße im Körper selbst offensichtlich ist, kann eine weitere Verbindung erstellt werden zum neuronalen Netzwerk, was das menschliche Nervensystem umfasst. Nervenzellen, ähnlich wie Bäume, verlaufen in ausgedehnten verzweigten Bahnen und ermöglichen die Verknüpfung der Zellen untereinander. Aus dieser Perspektive betrachtet, können Bevans Bäume als Metaphern für das menschliche Gehirn wahrgenommen werden. Es ist, als wären die in seinen früheren Arbeiten dargestellten Köpfe zu ihrer unreduzierbaren Essenz reduziert worden, als würden diese ein komplexes Muster neuronalen Wachstums bilden.“12

Wird die Analogie zwischen den komplexen inneren Strukturen des menschlichen Körpers und den Verästelungen eines Baums bei Bevan erst im Geiste des Betrachters vollzogen, so entscheidet sich Alkis Boutlis für eine viel direktere Form der Darstellung. Das floral anmutende Gewand des Porträtierten wird vom inneren Blutkostüm durchlöchert und umschlungen. Die Gefäße wachsen, Baum-ähnlich, zum Blut-getünchten Himmel empor (Abb. S. 49).


Ein leichter Windhauch verwirrt auf eine Sekunde die funkelnde, düstere Starre, schwach beben die Bäume, sie wiegen das Licht auf ihren Wipfeln und bewegen den Schatten zu ihren Füßen. Marcel Proust13

Kahle Bäume eingefangen zwischen Nebel und Vollmond befinden sich wie im Schwebezustand, mystisch, wie ein heiliger Hain. Emma Stibbon malt Landschaften auf Papier, eingefrorene Momentaufnahmen, geladen mit der Energie des ständigen Wandels (Abb. S. 158–159).


Vororte sind dort, wo Stadtentwickler Bäume dem Erdboden gleichmachen, um die Straßen später danach zu benennen. Bill Vaughan14

Zum Glück haben die Stadtentwickler New Yorks einige Bäume übersehen. Diese hat Mitch Epstein auf seinen Streifzügen durch die Weltmetropole in schwarz/weiß fotografiert (Abb. S. 65). Sie dienen ihm nicht als Hintergrundkulisse für die Kunst, sondern der Künstler porträtiert sie. Eine alte Hängebuche im Brooklyn Botanic Garden legt Zeugnis von den vielen Menschen ab, die über Generationen im Schatten ihrer Zweige ein wenig Abgeschiedenheit vom Rummel der Großstadt suchten. Joachim Brohm hingegen interessiert sich für urbane Räume. Er hat ein Auge für die unbeachteten Zustände des Übergangs im Alltag. Doch geht es ihm vor allem bei der Auswahl seiner Motive um das Bild. Präzision in der Komposition und Zurückhaltung in der Farbigkeit zeichnen diese Dokumente des Alltäglichen aus. Das Dyptichon Nagoya ist für Ortsfremde jahreszeitlich schwer einzuordnen (Abb. S. 52–53). Zumindest lassen Astwerk und Belaubung keine Rückschlüsse zur zeitlichen Einordnung zu. Nur die Lichterketten, mit denen die Bäume saisonal umdekoriert werden, könnten darüber Auskunft geben. Vor allem „die Lichter, die den Bäumen [...] eine künstlich-hybride Erscheinung verleihen“ interessieren den Künstler. „Sie sind [...] Teil einer urbanen anonymen Dekoration, die den originalen Charakter der Pflanzen nicht mehr wertschätzen kann.“15


Sie [Bäume] sind wie Einsame. Nicht wie Einsiedler, welche aus irgendeiner Schwäche sich davon gestohlen haben, sondern wie große, vereinsamte Menschen, wie Beethoven und Nietzsche. In ihren Gipfeln rauscht die Welt, ihre Wurzeln ruhen im Unendlichen; allein sie verlieren sich nicht darin, sondern erstreben mit aller Kraft ihres Lebens nur das Eine: ihr eigenes, in ihnen wohnendes Gesetz zu erfüllen, ihre eigene Gestalt auszubauen, sich selbst darzustellen. Nichts ist heiliger, nichts ist vorbildlicher als ein schöner, starker Baum. Hermann Hesse16

2004 porträtiert Ori Gersht die Bäume in den alten Olivenhainen Galileas (Abb. S. 70–71). Er arbeitet bewusst mit Überbelichtung in der prallen Mittagssonne. Es entstehen gespenstische Erscheinungen auf verblichenen Fotos, die den Anschein vermitteln, fast so alt zu sein wie die darauf abgebildeten ehrwürdigen und symbolträchtigen Greisen. Der brüchige, verknotete Stamm, von Wind und Witterung verformt, hat zahllose Menschen, Jahre und Konflikte überlebt.

Ach Gott! die Kunst ist lang; Und kurz ist unser

1 Friedrich Wilhelm Nietzsche, Der Wanderer und sein Schatten, Kapitel 30, 176.
2 Heribert C. Ottersbach, „fünf plus eins“ in: fünf plus eins, galerie julia garnatz, Köln 2013 [o. S.].
3 Hans-Peter Wipplinger, „René Wirths bildästhetische Operationen als Vokabularien des Wahrnehmens und Erkennens“ in: Aus der Welt,
Kunsthalle Krems, Krems 2014. 4 Dalai Lama, „Vorwort S. H. des XIV. Dalai Lama“ in: Sogyal Rinpoche, Das tibetische Buch vom Leben und vom Sterben, Otto Wilhelm Barth Verlag 1998, S. 7.
5 Sonia Mehra Chawla in einem Gespräch mit Gigi Scaria in: Sonia Mehra Chawla. Scapelands, Exhibit 320, New Delhi 2015, S. 60.
6 Lama Anagarika Govinda, Der Anfang ist das Ziel, Herder Verlag, Freiburg im Breisgau 2000, S. 55.
7 Pascale Marthine Tayou in einem Film von Åsa Maria Bengtsson, 2010, unter: http://www.konsthall.malmo.se/o.o.i.s/4612 (abgerufen am 01.10.2015).
8 Rabindranath Tagore, Fireflies.
9 Kurt Tucholsky, in: „Alte Bäume“, Artikel von Peter Panter in der Vossischen Zeitung, 10.12.1930, Nr. 288.
10 Desmond Lazaro, The ‘In-Coming’ Passengers: Part I, 20, in einer email an die Autorin, 9.9.2015, 08.47 Uhr
11 Bertolt Brecht, An die Nachgeborenen.
12 Paul Moorhouse, „Tony Bevan: Trees and Archives“, in: Ausst.-Kat. Tony Bevan.Trees and Archives, Ben Brown Fine Arts, London 2014, S. 8.
13 Marcel Proust, Tage der Freuden, Trauer und Träume in allen Regenbogenfarben, XXIII Unterholz.
14 Bill Vaughan, unter: https://en.
wikipedia.org/wiki/William_E._Vaughan (abgerufen am 13.10.2015). 15 Joachim Brohm in einer email an die Autorin, 6.10.2015, 12.54 Uhr
16 Hermann Hesse, „Wanderung“ in: Hermann Hesse, Bäume, Insel Verlag,
Frankfurt am Main 2012, S. 9. 17 Johann Wolfgang von Goethe, Faust – Der Tragödie erster Teil, Vers 558 f.

© sonia mehra chawla